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SUMMARY:Margherita Oggero - Presentazione del romanzo "Non fa niente"
DESCRIPTION:Venerdì 29 Giugno 2018\, ore 21\, Casa Toesca \nPresentazione di Non fa niente\, della scrittrice torinese Margherita Oggero\, con conversazione tra l’autrice e i membri del Circolo dei Lettori di Rivarolo Canavese. \n 
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SUMMARY:Matej Frank
DESCRIPTION:Matej Frank è un artista visuale polacco\, classe 1989\, lavora a Wrocław in Polonia e vive a Opava\, in Repubblica Ceca. \nIl  progetto di residenza si è svolto  in collaborazione con Associazione Barriera nel cui spazio ha potuto realizzare la performance “Entropia”. \nLa performance\, che nasce come tributo alla Galleria d’arte “Galeria Entropia” di Wrocław\, e’ stata trasmessa in streaming dalla sala di Associazione Barriera alla galleria polacca; l’artista ha dedicato la sua opera al trentesimo anno di attività della galleria\, ogni suo aspetto è studiato in modo che sia una performance chiaramente leggibile e descrittiva del fenomeno dell’entropia. \nIl metodo di lavoro di Matej Frank è molto semplice e allo stesso tempo impegnativo e complesso: le sue opere\, che siano azioni\, sculture\, pitture\, partano tutte dall’idea di fondo di raccontare un determinato fenomeno\, una determinata esperienza. L’artista trova nel mondo e nei suoi mutamenti la fonte primaria del suo lavoro: si occupa dello spazio in relazione al tempo\, al movimento\, al corpo e al suono. \nPer la performance “Entropia” Matej ha tratto ispirazione anzitutto dal libro “A Brief History of Time” di Stephen Hawking\, che lo ha portato ad interessarsi ad una trasposizione visuale del fenomeno dell’entropia\, la misura del grado di equilibrio raggiunto da un sistema in un dato momento.  \nNella realizzazione dell’opera ad Associazione Barriera\, l’artista ha scelto di dipingere sul muro 1.500 punti bianchi e neri (numero non casuale\, ma che rappresenta la cifra di ogni evento da 30 anni a questa parte della Galeria Entropia)\, cancellandoli e sostituendoli di volta in volta\, fino ad arrivare all’equilibrio perfetto tra i due colori. \nL’atto performativo ha iniziato ad interessare Matej dopo la scultura\, il suo media preferito: il movimento nello spazio è un ottimo mezzo per un artista visuale che vuole esplorare nuovi tipi di comunicazione in correlazione con le strutture\, che possono essere aperte all’improvvisazione o precedentemente preparate\, come in questo caso\, anche con l’aiuto di disegni che illustrano quello che avverrà\, il risultato che si vuole raggiungere.  \nQuello che interessa a Matej è il linguaggio visuale\, prendere un dato fenomeno e trasporlo\, tradurlo per chi guarda. \nL’arte di Matej è il suo modo di guardare il mondo\, un punto di vista universale ma prettamente soggettivo\, che può essere condiviso e dà spazio a diverse interpretazioni: “La mia arte si può capire su diversi livelli\, non nascondo il significato del mio lavoro”.
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SUMMARY:GIU' IL SIPARIO!
DESCRIPTION:La mostra fotografica Giù il Sipario!\, progetto fotografico di Stefania Falsone\, diviene uno spunto per far ragionare gli studenti su cosa significhi oggi fare fotografia\, come lavora un artista che deve fotografare tanti aspetti diversi e raccordarli in un unico progetto omogeneo? Come si fa a scattare delle foto parlanti? \nQueste tematiche\, insieme ai pensieri cari alla Falsone (l’abbandono\, il decadimento e la modifica di luoghi di spettacolo un tempo in auge) sono stati affrontati in una discussione con gli studenti\, a cui è seguito un laboratorio pratico. I ragazzi avevano il compito di ricercare un tema e scattare una foto che lo raccontasse al meglio; sono state scelte tematiche quali l’amicizia\, la natura e il tempo che passa\, ispirate anche grazie al contesto prezioso di Casa Toesca\, luogo in cui il laboratorio ha avuto luogo. \n \nLe fotografie sono state stampate in loco\, mentre gli studenti hanno creato un intreccio di fili rossi tra le sale in cui era esposta la mostra\, facendo passare il gomitolo rosso di mano in mano\, attraverso porte\, finestre e termosifoni\, hanno legato il proprio lavoro di “fotografi per un giorno” a quello della Falsone; una volta stampate le immagini sono state appese al fil rouge\, che univa così tutte le foto parlanti della sala.
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DESCRIPTION:La mostra fotografica Giù il Sipario!\, progetto fotografico di Stefania Falsone\, diviene uno spunto per far ragionare gli studenti su cosa significhi oggi fare fotografia\, come lavora un artista che deve fotografare tanti aspetti diversi e raccordarli in un unico progetto omogeneo? Come si fa a scattare delle foto parlanti? \nQueste tematiche\, insieme ai pensieri cari alla Falsone (l’abbandono\, il decadimento e la modifica di luoghi di spettacolo un tempo in auge) sono stati affrontati in una discussione con gli studenti\, a cui è seguito un laboratorio pratico. I ragazzi avevano il compito di ricercare un tema e scattare una foto che lo raccontasse al meglio; sono state scelte tematiche quali l’amicizia\, la natura e il tempo che passa\, ispirate anche grazie al contesto prezioso di Casa Toesca\, luogo in cui il laboratorio ha avuto luogo. \n \nLe fotografie sono state stampate in loco\, mentre gli studenti hanno creato un intreccio di fili rossi tra le sale in cui era esposta la mostra\, facendo passare il gomitolo rosso di mano in mano\, attraverso porte\, finestre e termosifoni\, hanno legato il proprio lavoro di “fotografi per un giorno” a quello della Falsone; una volta stampate le immagini sono state appese al fil rouge\, che univa così tutte le foto parlanti della sala.
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SUMMARY:Stefania Falsone - Mostra evento Giù il sipario!
DESCRIPTION:Mostra evento della giovane fotografa catanese Stefania Falsone \n  \nCasa Toesca apre le porte a Stefania Falsone e al suo elaborato fotografico prodotto durante il periodo di Residenza d’artista. Stefania è una finalista della IV edizione di Art Prize CBM e questo progetto si inserisce in un discorso che prende le mosse dalla tematica prescelta per l’ultima edizione del Premio: Forme e materie dell’attesa. Quello che Marco Petrocchi ha definito «lo spettacolo dell’oblio» mette in scena lo stato di abbandono\, o di parziale abbandono\, in cui versano alcuni luoghi dello spettacolo dislocati in due cittadine del Canavese: il teatro Patronale e il teatro S.S. Annunziata di Rivarolo C.se\, il cinema Perona e il teatro Comunale di Cuorgnè. L’occhio di Stefania si fa strada tra ciò che resta\, incedendo con lentezza e preservando l’equilibrio che si è impadronito di questi edifici ormai dismessi dalla loro funzione originaria. L’artista cerca di tradurre in fotografia le storie che le vengono raccontate dalle poltrone consumate\, dalle pareti senza intonaco\, dai frammenti dei manifesti. Il tempo che scorre implacabilmente su questi spazi è immaginario e concreto al tempo stesso: è illusione di una realtà negata dalla realtà stessa. Il tempo è impotenza. Le pareti e gli oggetti accatastati sono i soli testimoni impassibili di uno spettacolo logorante. Eppure\, se si presta attenzione\, nell’assordante silenzio riecheggia ancora il brusio della vita che li animava. L’intento è quello di catturare “la silenziosa delicatezza” con cui la vita\, custodita dall’involucro delle pareti\, continua a pulsare. «Aspettare è un’imposizione. Eppure è l’unica cosa che ci fa percepire fisicamente il logorìo del tempo e ce ne fa conoscere le promesse»\, scriveva Andrea Köhler nel suo saggio L’arte dell’attesa. È quello che accade a questi luoghi\, inermi\, in attesa che qualcosa accada. La mostra è il momento di veri ca del lavoro svolto nel periodo di incontro tra la personalità creativa di Stefania e il territorio del Canavese. Il progetto rappresenta ancora una volta un momento di sperimentazione\, volto a stimolare una riflessione sul rapporto immagine-memoria-significato\, calando l’artista in una realtà del tutto estranea. Partendo dal percorso estetico intrapreso da Stefania durante il premio\, si è pensato di recuperare da un lato la cifra stilistica dell’opera in concorso (ossia la presenza di una figura femminile che dialoga con l’ambiente circostante)\, dall’altro la riflessione sul tempo. Questa volta però la giovane fotografa doveva fare i conti con una dimensione di tempo e attesa lontana da quella che era stata la stanza da lei allestita a servizio del tema da sviluppare. Il progetto attuale\, viceversa\, la costringeva a misurarsi con luoghi che hanno alle spalle un vissuto collettivo\, il quale resiste ancora oggi nelle varie forme dell’abbandono. La s da era riuscire a superare questi due scogli: l’ambiente a lei totalmente estraneo\, e il confrontarsi con spazi che appartengono alla comunità da decenni. Un approccio inedito\, utile a migliorare il bagaglio di una carriera ancora tutta da formare. La residenza d’artista riconferma quindi l’obiettivo e la volontà di indurre a una crescita esperienziale che possa arricchire reciprocamente l’artista ospite e il territorio. \nMaria Riccardi
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LOCATION:Cinema Margherita di Cuorgnè\, via Ivrea 101\, Cuorgnè\, 10082\, Italia
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SUMMARY:Silvia Argiolas
DESCRIPTION:Silvia Argiolas durante la residenza ci ha portati fin dentro il processo metabolico della sessualità in cui tutto si fa poltiglia\, dove i colori e gli innesti su tela diventano medesimo materiale organico\, cloaca di immagini\, profumo\, secrezioni\, sangue\, make up\, paillettes. La sua estetica è una ricerca sulle dinamiche della parafilia sessuale che ci conduce proprio nel mezzo del rapporto tra la natura dell’esibizionismo e i modelli culturali attraverso cui essa si veicola. Nel suo fare arte è connaturata questa ambiguità originaria e durante il suo periodo di residenza\, l’artista si è confrontata con gli artisti presenti: Elvis Spadoni\, Giacomo Modolo e Stefania Falsone.
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LOCATION:Torino
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SUMMARY:Michela Beatrica Ferri ed Elvis Spadoni - Sacro Contemporaneo\, dialoghi sull'arte
DESCRIPTION:Venerdì 23 febbraio 2018\, ex Chiesa della SS. Trinità di Cuorgnè (TO) \nPresentazione del libro Sacro Contemporaneo\, dialoghi sull’arte dell’autrice Michela Beatrice Ferri e conversazione con l’artista Elvis Spadoni\, le cui opere sono esposte nella medesima ex Chiesa della SS Trinità\, nella mostra LO SPAZIO DEL SACRO. \nMichela Beatrice Ferri (Treviglio\, 1983)\, dottore di ricerca in Filosofia dal 2012 presso l’Università degli Studi di Milano\, è docente di Aesthetics e di Aesthetics in Sacred Art presso lo Holy Apostles College and Seminary (CT\, U.S.A.) e docente di Estetica presso la Accademia Di Belle Arti Di Brescia SantaGiulia. Le sue ricerche sono rivolte alla filosofia contemporanea\, all’estetica contemporanea\, all’estetica fenomenologica\, all’estetica teologica e all’estetica dell’arte sacra\, all’antropologia delle religioni\, all’antropologia filosofica\, all’iconografia e alla storia della Shoah. Ha dedicato la sua tesi di dottorato alla storia della ricezione della filosofia di Edmund Husserl negli Stati Uniti d’America – da cui la pubblicazione di The Reception of Husserlian Phenomenology in North America (Springer\, Contributions to Phenomenology\, 2019); e ha dedicato la sua prima monografia – intitolata Sacro Contemporaneo. Dialoghi sull’arte (Ancora Editrice\, 2016 — tradotto in lingua inglese) ad una indagine sul dialogo tra l’arte contemporanea e la fede religiosa. \n 
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LOCATION:Ex Chiesa SS Trinità Cuorgnè (TO)\, via milite Ignoto\, Cuorgnè\, Torino\, Italia
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SUMMARY:FUORI FORMA -ELVIS SPADONI
DESCRIPTION:In relazione alla mostra temporanea Lo spazio del Sacro di Elvis Spadoni presso l’ex Chiesa della SS Trinità di Cuorgnè sono stati organizzati visite e workshop per bambini e ragazzi di ogni ordine di scuola.  Il laboratorio è stato pensato dalla referente alla didattica di Areacreativa42\, Giulia Cordò\, insieme all’artista\, in modo che fosse suddiviso in due momenti: quello esplicativo-narrativo e quello pratico. \nIn un primo momento veniva spiegata agli studenti la differenza tra le grandezze di un pennello\, tra colori ad olio e tempere\,  si chiariva cosa fossero tela e telaio\, anche facendo vedere il retro di un quadro. Gli allievi erano invitati a esporre le proprie teorie e supposizioni su come avesse lavorato l’artista\, in modo da spronarli al ragionamento. \n   \nIl workshop cominciava nel momento in cui veniva narrata ai bambini una seconda storia\, un mito che non fosse rappresentato nei dipinti esposti\, ma che veniva mimato dai ragazzi dell’I.S. 25 Aprile che collaboravano con Areacreativa42 grazie all’alternanza scuola-lavoro. Il mito veniva raccontato in maniera teatrale\, ponendo gli accenti sulle scene più importanti e caricandole di intensità\, anche grazie all’uso di oggetti di scena gestiti dai figuranti che personificavano il mito; al fine della narrazione infatti\, erano gli stessi bambini a decidere le pose in cui gli attori dovevano porsi. Ogni scena doveva poi essere copiata dai giovani artisti che\, come in una classe di Accademia\, dovevano scegliere il punto di vista che più li ispirava per poterla rappresentare sul foglio. \n \n  \n 
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SUMMARY:Stefania Falsone
DESCRIPTION:Areacreativa42 ha ospitato Stefania Falsone\, giovane finalista dell’Art Prize CBM – IV Edizione\, in residenza d’artista dal 19 febbraio al 10 marzo 2018. \nIl progetto si è svolto intorno ai luoghi dello spettacolo nel Canavese\, ritrovi dimenticati\, in continuità con la tematica guida della IV Edizione del Premio “Forma e materia dell’attesa”. \nLa residenza si è conclusa con la mostra pop-up Giù il sipario!\, allestita il 26 maggio presso le sale di Casa Toesca\, e con la mostra-evento del 29 maggio in collaborazione con la rassegna cinematografica “Duè città al cinema” ospitata dal Cinema Margherita di Cuorgnè. \n  \n \n  \n  \n 
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SUMMARY:Giacomo Modolo
DESCRIPTION:In residenza tra febbraio e marzo 2018\, l’artista Giacomo Modolo. \nE’ la seconda volta che Giacomo Modolo collabora con Areacreativa42 per un progetto di residenza d’artista. Questa volta il progetto è stato arricchito dalla compresenza di Elvis Spadoni\, Silvia Argiolas e Stefania Falsone. Gli artisti si sono confrontati sulle tematiche della collaborazione nel sistema arte e del ruolo dell’artista. Giacomo Modolo ha iniziato a lavorare sul ciclo delle “Orme del lupo” che “rappresenta un momento personale di grande intimità e ricerca pittorica. Il lupo\, più volte presente nei miei ultimi lavori\, aleggia nello spazio come una presenza\, sola e in cerca del suo branco perduto. Nel mio immaginario esso si fa simbolo\, diventando lo stemma di un lato umano che da sempre considero nella mia ricerca artistica. Solitudine e insicurezza che si mescolano a orgoglio e ferocia\, lasciando spazio alla bellezza che nasconde meschinità. Contraddizioni che popolano la mia pittura solitamente con figure umane ciniche e drammatiche che\, sulle orme del lupo\, trovano il loro manifesto estetico e metaforico.\nIn continua contraddizione anche il linguaggio pittorico formato da pennellate in costante dialogo tra forma e astrazione\, gesto e geometrie\, così come le continue sovrapposizioni di pennellate che danno alla luce gli equilibri precari sui quali si reggono l’immagine e la composizione.” Da questo ciclo è nata un’opera finalista nell’edizione 2019 del Premio Combat per la sezione pittura. \n 
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SUMMARY:Elvis Spadoni
DESCRIPTION:Elvis Spadoni nasce a Urbino nel 1979. Vive e lavora a Santarcangelo di Romagna. \nL’artista Elvis Spadoni è stato in residenza nella sede di Areacreativa42\, Casa Toesca a Rivarolo\, dal 10 febbraio al 11 marzo 2018: durante questo periodo la popolazione del territorio è stata invitata più volte a visitare l’atelier ed a partecipare ai workshop. \nContemporaneamente è stata realizzata la mostra “Lo Spazio del sacro” nata dalla collaborazione tra Areacreativa42 e la Città di Cuorgnè. In occasione della mostra Elvis Spadoni ha realizzato un’opera nella ex chiesa ed il pubblico ha potuto seguirne lo stato di avanzamento fino al termine.\nLa mostra\, curata dall’Associazione Areacreativa42 in stretto dialogo con l’artista\, era  accompagnata da laboratori rivolti agli studenti delle scuole del territorio\, incentrati sulla pratica del disegno della figura umana\, una pratica molto importante all’interno del lavoro di Elvis Spadoni.\nLe opere in mostra erano  parte di un ciclo dedicato a soggetti biblici e mitologici\,  tese tra la profonda ricerca di realismo che caratterizza le figure ed il minimalismo dello spazio all’interno della tela\, permeata di una luce intensa che porta a forzare i limiti sensoriali tra il visivo ed il tattile. All’interno di questo percorso artistico il concetto di sacro convive e dialoga con il concetto socio antropologico di mito come atto di fondazione della società\, della cultura e dell’ordine razionale delle cose del mondo: nel mito\, così come nella narrazione biblica\, norme e precetti sociali trovano una propria origine\, ammantandosi di un valore altro. La narrazione mitica è quindi una trasposizione\, mediata dalla presenza del sacro\, di istanze sociali\, etiche e morali proprie della natura umana.\nLa pittura di Elvis Spadoni è in tal senso una pittura mitica\, e l’Uomo ne è protagonista assoluto; attraverso essa l’artista riflette sulla condizione umana\, affrontando momenti cruciali della vita.\nIl protagonista dell’opera è però lo spazio vuoto\, al quale è riservato il maggior rilievo compositivo: esso rappresenta un luogo di silenzio formale al quale siamo ammessi\, un’occasione di dialogo tra l’osservatore e l’opera.
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SUMMARY:Chiara Zanforlini - La memoria della città perduta
DESCRIPTION:Sabato 18 novembre 2017 ore 17\, Villa Vallero\, Rivarolo Canavese \nConferenza sull’antica città di Palmira\, tenuta dall’archeologa Chiara Zanforlini\, in relazione alla mostra TRA STORIA E MITO\, allestita presso la medesima Villa Vallero\, con le opere di Alessandro La Motta.
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LOCATION:Villa Vallero\, Corso Indipendenza 68\, Rivarolo Canavese\, Torino\, 10086\, Italia
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SUMMARY:TRA STORIA E MITO
DESCRIPTION:La mostra di Alessandro La Motta\, Tra storia e mito\, allestita presso Villa Vallero (Rivarolo C.se) ha dato modo organizzare visite guidate e workshop per studenti\, in quanto l’esposizione si prestava calzante con numerose materie di studi. Le opere ispirate a personaggi storici e mitici greci e latini sono state centrali per rammentare agli allievi la differenza tra storia mitica ed evento storico\, per capire come funzioni un sito archeologico\, per avvicinarsi e comprendere gli eventi tragici che recentemente sono avventi nell’antica città di Palmira. \nIl laboratorio è consistito nel far provare agli studenti la tecnica di stratificazione dei materiali utilizzata dell’artista nelle opere su tela\, in questo caso i ragazzi possedevano cartoncini come supporti\, ed hanno lavorato con colori e colla vinavil per accostare la matrice coloristica con quella cartacea\, con anche l’ausilio di materiali esterni quali foglie secche ed aghi di pino. Come l’artista lavora cogliendo i materiali che gli stanno intorno\, così i ragazzi hanno potuto fare nel loro laboratorio\, usando quindi elementi naturali presenti nel parco di villa Vallero\, che sono stati forniti agli allievi insieme a carta di recupero al momento dell’attività.
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LOCATION:Villa Vallero\, Corso Indipendenza 68\, Rivarolo Canavese\, Torino\, 10086\, Italia
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SUMMARY:Alessandro La Motta
DESCRIPTION:L’artista durante la sua residenza ha realizzato una mostra di sue opere al piano terreno della Villa Vallero coinvolgendo nel suo progetto le scuole del Comune di Rivarolo e limitrofe. Alessandro La Motta da anni va cercando\, attraverso i miti e la bellezza del mondo classico\, l’identità mediterranea\, In linea con il suo percorso sono state esposte circa 30 opere tra pittura e scultura di dimensioni variabili ispirate al mondo antico e all’arte classica con particolare attenzione all’archeologia del bacino del Mediterraneo.
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SUMMARY:Elias Santis
DESCRIPTION:Elias Santis è un pittore contemporaneo argentino\, in residenza a Casa Toesca dal 13 ottobre al 20 novembre 2017. \nEcco alcune riflessioni sul suo lavoro in un estratto dall’intervista con la giovane curatrice Giulia Cordò. \nG: “Parliamo della tua situazione attuale\, hai accettato di partecipare a questa residenza d’artista in un paese molto lontano e diverso rispetto a casa tua\, pensi che il circondario straniero ti abbia in uenzato?”\nE: “ […] Ciò che è successo qui\, aldilà che sia un luogo tanto lontano\, mi ha dato modo e tempo di stare molto con me stesso\, perché qui non\nc’è qualcosa che ti distrae\, mi sono potuto vedere ri esso nelle persone che mi hanno circondato e la verità è che esse non sono tanto diverse rispetto a Santiago del Chile\, mi sono sentito in un ambiente molto familiare\, sia per chi mi stava intorno\, che per il paesaggio e anche nel quotidiano.” \nG: “E Il paesaggio circostante ti ha stimolato per la pittura che hai praticato in questo mese?”\nE: “sì\, il paesaggio naturale e il paesaggio formato dalle persone\, ogni persona si veste di un determinato colore\, dipinge la propria casa di un determinato colore e anch’esse sono parte del paesaggio\, ciò mi circonda mi ha stimolato moltissimo\, tanto da aver cambiato la pennellata del mio stile; credo ci sia un prima e un dopo nella mia pittura dopo questa residenza\, in particolare per quanto riguarda il colore.”\nG: “Quindi si può dire che hai posto delle pietre per il futuro?”\nE: “E’ molto bello quello che dici perché la penso esattamente così\, pietra su pietra. […]” \n\n  \nElías Santis\, nato nel 1980 a Buenos Aires (Argentina). Studia arte all’Istituto d’Arte della National University in Argentina. Ha esposto in mostre personali come\, tra le più importanti\, “Terrícolas”\, Galería Animal (Santiago de Chile\, 2010)\, “Orbita Prima”\, Mite Gallery (Buenos Aires\, 2011)\, “Lune”\, RT & W Gallery (Berlino\, 2013). Ha anche partecipato a mostre collettive come “Circular Project”\, Palais de Glace (Buenos Aires\, 2012) “Cosmos”\, Volkerkunde Museum (Amburgo\, 2012)\, “Medial Arts Biennial”\, National Museum of Fine Arts (Santiago de Chile 2017) e “Stanze”\, Italian Institute of Culture (Santiago de Chile\, 2018). Nel suo lavoro esplora la natura astratta e invisibile degli esseri umani e degli esseri in generale\, per mezzo di dipinti\, che impiegano colori\, gure\, storie simboliche e allegorie. Ombra e luce\, terra e cielo. Tutto contiene un signi cato silenzioso. \n\n\nAlcuni schizzi realizzati dall’artista durante al sua residenza.
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SUMMARY:Guido Brivio - Tra vizi e virtù: dialogo sul lusso
DESCRIPTION:Sabato 24 Giugno 2017\, ore 17\, Casa Toesca \nSalotto filosofico con Guido Brivio \nTra vizi e virtù: dialogo sul lusso
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SUMMARY:Armando De La Garza
DESCRIPTION:L’artista messicano Armando De La Garza è in residenza a Casa Toesca dal 27 giugno al 2 luglio 2017. \nIn occasione della residenza\, oltre all’atelier aperto\, ed alla mostra finale delle opere\, Biotà (24 giugno – 2 luglio 2017) nelle sale del piano terreno di Casa Toesca\, è stato interessante l’appuntamento tra arte e filosofia con il filosofo torinese Guido Brivio. \nIl progetto “Biotà” racchiude ed unisce due tematiche: il vasto immaginario naturalistico di Italia e Messico ed un discorso etico ed ecologico sui materiali di scarto che possono essere trasformati da immondizia ad opere d’arte. La collezione Biotà riunisce 19 bottiglie di materiali diversi: vetro\, plastica\, latta e metallo e dimostra la capacità dell’artista di reinventare qualsiasi materiale\, s dando i limiti imposti dalle particolari forme delle bottiglie. Armando si impegna a dipingere nei minimi dettagli paesaggi classici su prodotti di uso comune\, appropriandosi delle opere di grandi rappresentanti della storia dell’arte e reinterpretandole in maniera meno convenzionale e personale. Tra le bottiglie utilizzate come supporti di pittura spiccano recipienti di note marche nazionali messicane ed italiane\, quali Tequila\, Mezcal\, Crodino insieme ad importanti liquori italiani. Bottiglie famose\, talvolta anche molto costose che niscono però nei bidoni\, o tal volta anche abbandonate sul ciglio della strada\, una volta consumata la bevanda che contengono. “Vogliamo davvero che l’immondizia soppianti la Natura?” Questa è la domanda che Armando De La Garza si pone\, e con le sue opere dà una chiara risposta ecologica ed originale. \n  \nG: “Che cosa ti aspettavi da Areacreativa42 e da questa Residenza d’Artista?”\nA: “Che cosa mi aspettavo? Devo dire che ha superato le mie aspettative; lo spazio\, ciò che mi stava intorno\, cioè la città e la casa stessa\, emanano l’essenza classica dell’arte italiana\, pur essendo immerse nel contemporaneo. […] Si parlava dell’essere fortunati\, io credo di essere stato davvero fortunato ad aver avuto la possibilità di fare la Residenza in questo speci co luogo\, perché… bè\, l’Italia è l’Italia però anche qui si potrebbe capitare in uno spazio molto contemporaneo\, minimalista.. freddo: che magari avrebbe funzionato lo stesso per lavorare\, ma non mi avrebbe invaso dell’essenza che invece ha questa casa.” \nEstratto dall’intervista di Giulia Cordò ad Armando De La Garza\, 24 Giugno 2017
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SUMMARY:Paul Harvey
DESCRIPTION:Harvey tende a documentare ciò che lo circonda e le cose che gli accadono. C’è un forte elemento autobiografico nel lavoro\, ma con un’universalità che\, dice\, valorizza ciò che fa. A volte chiama i suoi quadri “poesie dipinte” a causa del loro fascino\, e sente una connessione psicologica con il lavoro di Karel Teige\, l’avanguardista ceco. Harvey parla dei collage di Teige come combinazioni squisite di figura femminile\, paesaggio e architettura. Lo stesso Teige ha affermato che “tutta l’arte non è altro che trasposizione dell’erotismo” e “non vi è alcun tema se non l’onnipotenza dell’amore” e Harvey lo capisce. Secondo Harvey\, i collage di Teige hanno un elemento surreale forte e autentico\, ma danno una sensazione di realtà\, come la natura\, in effetti. Lui vede tutte queste cose come importanti aspetti del proprio lavoro\, in particolare nel modo in cui elementi apparentemente non correlati si uniscono ma per dare un senso e avere un significato. Potrebbe essere visto come un realismo magico. I paesaggi montani sono apparsi nel suo lavoro per molti anni\, principalmente a causa di un viaggio fatto in Svizzera come quando era ancora scolaro nel 1973. Di conseguenza\, quando nell’estate del 2017 lavorava come artista in residenza presso Areacreativa42\, con le Alpi all’orizzonte\, affermava che era come lavorare in uno dei suoi quadri. È il tipo di ambiente che è felice di esplorare e romanticizzare\, ma non a scapito della verità. Durante il periodo di residenza l’artista ha avviato e realizzato un ciclo di opere sul tema dell’Italia. A partire dai suoi ricordi di una vacanza a Savona da bambino nel 1967 e della sua visita a Torino ad ottobre 2016. In questo caso l’artista si è rapportato alla tradizione italiana in quanto mito popolare (come con il quadro che raffigura l’attrice degli anni ‘50 Marisa Allasio)\, sovrapposta allo sguardo del bambino in un paese straniero trasposto in 1967. Ha realizzato un ciclo di dipinti\, acrilico su tela\, che sono stati esposti al termine della residenza. Nel contempo ha approfondito la storia dell’azienda Olivetti al ne di proporre una mostra in occasione della candidatura (poi concretizzatasi in riconoscimento) di Ivrea a patrimonio dell’Unesco. \n\nLa residenza si è conclusa con la mostra An englishman abroad (19 giugno – 20 agosto 2017).
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SUMMARY:DISEGNARE CON LA LUCE
DESCRIPTION:Enrico Minguzzi\, artista in residenza presso Areacreativa42\, ha aperto il proprio atelier ai ragazzi dell’Istituto SS. Annunziata di Rivarolo Canavese in data 23 maggio 2017. \nL’incontro ha previsto una visita all’atelier del pittore\, situato al piano superiore di Casa Toesca\, che ha permesso ai ragazzi di conoscere i lavori di Enrico ed i segreti della pittura ad olio su tela e tavola\, oltre che di conversare con l’artista stesso sul significato dell’essere pittori oggi. \nIn un secondo momento i giovani studenti sono stati guidati in un laboratorio di light art nella bellissima sala affrescata al piano terra. Con torce colorate hanno imparato a “disegnare con la luce” seguendo le indicazioni dell’artista\, che ha documentato il lavoro con l’ausilio di una macchina fotografica.
URL:https://areacreativa42.com/event/disegnare-con-la-luce/
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SUMMARY:Enrico Minguzzi
DESCRIPTION:L’artista romagnolo Enrico Minguzzi  è in residenza a Casa Toesca dal 2 al 27 maggio 2017.\nDurante la sua residenza ha lavorato ad un progetto installativo da ubicare nel Comune di Valperga sul percorso per il Sacro Monte di Belmonte. In questo progetto l’intento è stato di portare gli elementi geometrici all’interno della realtà  del luogo. \n  \nEnrico Minguzzi utilizza prevalentemente la tecnica pittorica ma durante la sua residenza ha voluto affrontare un discorso che desiderava sviluppare da tempo intorno all’installazione site speci c: portare gli elementi geometrici all’interno della realtà del luogo. \nDopo una serie di sopralluoghi è stata individuata l’area (un tratto di area verde che si colloca sul lato sinistro della strada verso il sacro Monte di Belmonte) e sono stati presi gli accordi con l’Amministrazione di Valperga che ha collaborato al progetto. L’area destinata era in forte stato di abbandono ed è stata ripulita e ripristinata. In questo modo sono state valorizzati gli interventi biotecnici consistenti in alcune piante collocate dall’Ente parco anni addietro al ne di attivare il turismo naturalistico e culturale che l’amministrazione intende promuovere nel proprio territorio. E’ seguita una fase di comprensione degli aspetti tecnici: scelta dei materiali\, realizzazione tecnica\, trasporto e montaggio\, autorizzazioni degli Enti preposti. \nIl progetto installativo nasce come sviluppo del lavoro pittorico dell’artista che da circa sei anni svolge una ricerca totalmente dedicata alla natura concentrata sul con ne tra gurazione e astrazione. Ecco quindi che è nata la necessità di inserire elementi estranei al soggetto privandolo del proprio equilibrio intrinseco e cercando di trovarne uno nuovo e differente. Le geometrie che l’artista inserisce nella pittura prima e nella installazione ora sono costituite da linee poliedriche irregolari giocate tra pieni e vuoti. Il risultato è una immagine oppure un luogo che presenta contaminazioni al proprio interno e suggerisce interrogativi riguardo a queste “presenze”\, ma capace di avere una propria stabilità ritrovata. L’obiettivo non è dare una risposta riguardo “cosa sia” o cosa venga rappresentato\, piuttosto semplicemente di palesare qualcosa che nella realtà c’è ma non è visibile. Il risultato è una struttura di acciaio che forma linee geometriche irregolari che si integrano con il luogo e la vegetazione circostante. La struttura è verniciata di color magenta chiaro al ne di accentuare la propria natura estranea. L’installazione si compone di 4 blocchi a se stanti\, ovvero sganciati dagli altri ed ancorato al terreno indipendentemente. \nDurante la residenza sono stati organizzati workshop per adulti e bambini. \nINVISIBILE\, installazione site-specific permanente di Enrico Minguzzi\, realizzata grazie al contributo di Areacreativa42 e del Comune di Valperga (con il patrocinio della Regione Piemonte) è stata inaugurata l’8 aprile 2018. \n 
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SUMMARY:A. P. IN ATELIER CON ZUZANA PERNICOVÁ
DESCRIPTION:In occasione della residenza d’artista di Zuzana Pernicová\, Areacreativa42 ha organizzato un workshop con l’artista per le scuole secondarie di primo e secondo grado. \nL’artista \n“Storie assolute\, senza epoca\, senza radici\, eppure perfettamente condivisibili da ciascuno di noi. La narrazione scorre sempre sul filo di un tempo sospeso in cui le situazioni sono residui di memoria\, scene di vita vissuta da lei e dall’altro fuori da lei. Un letto e una persona sdraiata\, una chiesa e i suoi simboli\, capannelli di viandanti\, mani su visi disperati per una successione malinconica e profonda che tra i toni di grigio ci racconta di vite sospese e di vite in attesa. Si tratta\, quindi\, di brani di esistenza qualsiasi\, in cui la normalità è indagata con un tono di denuncia per smarrire la griglia del conformismo e dell’omologazione e sfociare in altre possibilità.” [Martina Cavallin] \nClasse 1987\, Zuzana Pernicová è stata finalista della III edizione di Art Prize CBM (2015-16) per la sezione Under 30. La collaborazione con Areacreativa42 ha preso avvio da allora\, agevolata anche dal fatto che l’artista vive e lavora a Milano. La scelta di una residenza limitata al week-end è dettata proprio dal fatto che l’artista\, essendo impegnata con il lavoro durante la settimana\, non può ritagliarsi periodi troppo lunghi di pausa. \nIl tema della residenza segue in parte il suo approccio artistico: i diari d’artista sui quali è solita annotare\, con disegni e pitture\, le sue sensazioni ed esperienze sono il mezzo per un diario itinerante e aperto ad accogliere suggestioni nuove date da luoghi e persone\, in un percorso che parla di solitudine e incomunicabilità\, di esistenza e memoria. \nL’atelier per la scuola secondaria di primo grado \nI ragazzi sono stati accolti presso la sede dell’associazione dalla responsabile dell’area educativa e dall’artista\, che hanno guidato insieme il laboratorio. In seguito ad un’esposizione delle norme comportamentali da adottare all’interno dello spazio espositivo\, l’artista si è presentata e ha raccontato brevemente del suo lavoro di pittrice. \nSi è\, quindi\, chiesto ai ragazzi di osservare un modello dal vivo. Questo era completamente avvolto in una coperta\, in modo da non svelarne l’identità.  Solamente alcune parti del suo corpo\, decise al momento dall’artista\, sono rimaste scoperte (un occhio e una mano). All’osservazione è subentrata l’immaginazione: i ragazzi hanno disegnato con matite\, pastelli o a collage il personaggio nascosto così come lo hanno immaginato\, traendo spunto dai soli particolari visibili. \nL’atelier per la scuola secondaria di secondo grado \n \nI ragazzi sono stati accolti presso la sede dell’associazione dalla responsabile dell’area educativa e dall’artista. Per cominciare l’artista si è presentata e ha raccontato del suo lavoro di pittrice\, mostrando ai ragazzi alcuni dei suoi lavori. É seguita la lettura di un passo da “La metamorfosi” di Franz Kafka\, scrittore ceco caro all’artista\, e una riflessione sui concetti di trasformazione e cambiamento\, supportata dalla proiezione di illustrazioni del racconto eseguite da diversi artisti del secolo scorso e contemporanei. \nSu queste basi si è proposto un laboratorio di collage su diretta indicazione dell’artista con l’obiettivo di stimolare la creatività dei ragazzi seguendoli passo dopo passo nella realizzazione dell’elaborato.
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SUMMARY:Claudio De Marco - Emozione tra segni e suono
DESCRIPTION:Martedì 14 marzo 2017\, ore 21 presso l’ex Chiesa della SS Trinità Cuorgnè (TO) \nEMOZIONE TRA SEGNI E SUONO \nIl musicista Claudio De Marco dialoga con le opere dell’artista Jiri Kornatovsky suonando l’Hung Drum.
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SUMMARY:A. P. JIRI KORNATOVSKY – OLTRE AL TEMPO LIQUIDO
DESCRIPTION:In data 14 marzo 2017\, grazie ad una collaborazione con il comune di Cuorgné\, si è proposto\, presso la Chiesa SS. Trinità\, un workshop per le scuole del territorio dedicato al pittore ceco Jiri Kornatovsky. Per l’occasione è stata esposta una sua opera di grandi dimensioni. \nIl laboratorio è stato introdotto da una breve presentazione dell’artista da parte delle curatrici Karin Reisová ed Helena Fenclova\, accompagnata dalla proiezione di immagini di opere realizzate dall’artista in occasione di mostre precedenti. A seguire il musicista Claudio De Marco si è esibito con lo strumento “hang drum” ed agli studenti è stato chiesto di esprimersi liberamente con i gessi su un lungo rotolo di carta steso per terra\, lasciandosi trasportare dai suoni dopo aver osservato l’opera di Kornatovsky. \nLo scopo era quello di trovare il senso del tempo in una società “liquida”\, come definita dal sociologo Zygmunt Bauman\, e di vivere una esperienza nella quale il tempo fosse sospeso\, in modo così diverso dalla quotidianità.
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LOCATION:Ex Chiesa SS Trinità Cuorgnè (TO)\, via milite Ignoto\, Cuorgnè\, Torino\, Italia
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SUMMARY:Zuzana Pernicova
DESCRIPTION:Zuzana Pernicova è stata in residenza non continuativa in due periodi a Casa Toesca (settembre – novembre 2016 / gennaio – marzo 2017). \nMomento centrale della sua residenza è stata la performance “Le case di carta” (12 febbraio 2017)\, progettata durante la residenza in collaborazione con la giovane curatrice Martina Furno. \nLINK AL CATALOGO \n  \nSono venuta a conoscenza del lavoro di Zuzana Pernikova a seguito della sua iscrizione alla terza edizione del Premio Carlo Bonatto Minella – Art Prize CBM. Il suo lavoro è piaciuto alla giuria ed è stato selezionato tra i finalisti. In quel periodo l’artista era impegnata ad approfondire i temi della solitudine e dell’incomunicabilità. Ho subito pensato che l’esperienza della residenza d’artista a Casa Toesca avrebbe potuto essere di sostegno nel percorso artistico di Zuzana ed abbiamo con- cordato un programma che tenesse conto degli impegni lavorativi dell’artista organizzando una “residenza d’artista dei week end lunghi”. Zuzana ha preparato un progetto installativo e di performances e insieme a Martina Furno hanno messo a punto “Le case di carta” coinvolgendo alcuni soci di Areacreativa42 ed altri artisti. Durante la sua permanenza abbiamo organizzato incontri con i bambini ed i ragazzi delle scuole\, con gli adulti e workshop di disegno. L’attività\, in parte documentata in questo quaderno\, ha avuto il consenso che ci aspettavamo: sono convinta che sarà di grande aiuto all’artista e rimarrà una esperienza molto significativa per coloro che hanno potuto viverla insieme a noi. Come in ogni residenza d’artista a Casa Toesca\, l’artista arriva con il proprio bagaglio di conoscenze ed esperienze\, s’immerge nell’atmosfera antica\, esplora il territorio e si confronta con giovani curatori\, studenti e con noi di Areacreativa42. E il viaggio nel mondo dell’ arte continua. \nKarin Reisovà \n  \n\n\n\n«La solitudine non è mai con voi; è sempre senza di voi\, e soltanto possibile con un estraneo attor- no: luogo o persona che sia\, che del tutto vi ignorino\, che del tutto voi ignoriate\, così che la vostra volontà e il vostro sentimento restino sospesi e smarriti in un’incertezza angosciosa e\, cessando ogni affermazione di voi\, cessi l’intimità stessa della vostra coscienza. La vera solitudine è in un luogo che vive per sé e che per voi non ha traccia né voce\, e dove dunque l’estraneo siete voi». \nZuzana Pernicova è un’artista dal carattere pacato e curioso. Da anni\, raccoglie nei suoi diari storie di solitudini\, assenze\, incomprensioni. Lo fa osservando la realtà con occhi attenti e discreti\, senza presunzione o giudizio: tra queste pagine si sono stratificati veri e propri racconti\, sotto forma di schizzi\, abbozzi e collage\, dove il mezzo grafico\, schietto ed incontaminato per definizione\, si è rivelato in tutta la sua forza espressiva\, capace di raccogliere – con tacita violenza – frammenti di vita. L’umanità che popola questi racconti è\, per l’appunto\, introversa\, paurosa\, solitaria\, troppo spesso incapace di comunicare con l’esterno. In fisica quantistica esiste una spiegazione scientifica a questo disagio: due enti non possono coesistere contemporaneamente nello stesso spazio\, nello stesso tempo e nello stesso livello energetico. Se così fosse\, anche nella performance “Le case di carta”\, ogni persona sarebbe dovuta esistere in uno spazio diverso\, in un tempo diverso e in un livello empatico diverso dagli altri. Ma ciò che la scienza non sa piegare\, e che Zuzana ha scelto come oggetto d’indagine\, è il dato improvviso e fortuito. \n\n\n\n\n\n\nI partecipanti\, di età differente\, sono stati invitati a entrare dentro a dei cilindri di carta di diverse dimensioni\, che nell’insieme volevano ricreare l’idea di un ambiente boschivo: ad ogni persona veniva così affidata una “casa-albero”\, ciascuna esistente per sé\, ma parte di un insieme unitario. Una sola la regola da rispettare: il silenzio. Forbici e carboncino alla mano\, ciascuno ha iniziato a seguire i propri istinti e percezioni disegnando e ritagliando a piacimento la propria abitazione. Inizialmente\, ciascuno ha cercato agio nel proprio spazio: sono nate tende beduine\, castelli\, sottomarini\, stanze ricoperte di astronavi\, mostri marini e giochi d’infanzia. Il dato sonoro\, emesso dallo sfregamento del carboncino sulla superficie cartacea e dallo sferragliamento delle forbici\, ha acquisito intensità in crescendo\, fino al punto di “rottura”: l’imprevisto. È così che gli intraprendenti hanno cercato un’apertura: una finestra per respirare\, uno strappo per fare entrare la luce\, un oblò per consegnare messaggi. Qualcuno ha lanciato\, con prudenza\, delle palline di carta in attesa di una reazione. Un altro\, con mossa azzardata e indiscreta\, è evaso dal proprio cilindro squarciandolo con uno gesto liberatorio\, per poi insinuarsi in quello altrui\, senza temere di essere respinto. Come in ogni società\, l’elemento disturbatore ha ricevuto solo parziale accoglienza\, ma ha avuto il tempo e l’ardire di mettere in moto un meccanismo di “rivolta”\, di generare il caos. E proprio nel disordine qualcosa ha preso forma: le relazioni\, intessutesi silenziosamente come radici sotterranee\, hanno creato una mappa visibile\, un tracciato tortuoso ed ingarbugliato\, di cui non restano che lacerti di carta ed una sensazione nell’aria che profuma di buono. \nMartina Furno
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SUMMARY:Enrico Pandiani – presentazione del romanzo noir "Una pistola come la tua"
DESCRIPTION:Enrico Pandiani – presentazione del romanzo noir Una pistola come la tua  \nGiovedì 7 luglio ore 21:15\, Casa Toesca
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SUMMARY:Giacomo Montanelli
DESCRIPTION:Giacomo Montanelli (1996 Firenze) è un giovanissimo artista toscano conosciuto grazie alla sua selezione come finalista Under30 della III edizione di Art Prize CBM Turin Prague London – Premio Carlo Bonatto Minella. La sua opera\, una piccolissima pittura su carta\, è stata esposta\, con una piccola selezione dei vincitori e di altri finalisti del Premio\, alla Christine Park Gallery di Londra\, indice del forte interesse che il ragazzo aveva suscitato nella giuria internazionale del Premio. \nIl progetto della residenza è stato preparato in primavera e\, data la giovane età di Giacomo\, si è dovuto attendere che finisse la maturità a luglio per la prima fase di lavoro. L‘esperienza di residenza in questo caso è partita dall’ambiente esterno\, dal territorio di Rivarolo Canavese ed in particolare dai luoghi “negati”\, “Inaccessibili”\, “assenti” perché abbandonati: gli edifici industriali dei due grandi opifici di Rivarolo (Salp e Vallesusa) e la sponda del fiume Orco.\nL’artista ha interpretato questi luoghi secondo la propria sensibilità di giovane esterno e li ha riversati in una esperienza di pittura\, pittura su fotografia e installazione. Il luogo della residenza è diventato il contenitore per raccontare l’esterno e in un secondo tempo per raccontare sé stesso. \nConclusa la prima parte della residenza\, l’artista è stato nuovamente ospitato a Casa Toesca nel mese di ottobre per preparare una mostra personale che documenti i suoi primi passi di giovane artista\, nel mondo dell’arte. \n“Adesso”\, prima mostra personale di Giacomo Montanelli\, è stata inaugurata sabato 8 ottobre 2016 Areacreativa42. \nLINK AL CATALOGO
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SUMMARY:Clementine Carsberg
DESCRIPTION:L’artista marsigliese Clementine Carsberg è stata in residenza tra novembre 2014 e marzo 2015. La sua residenza è stata segnata dall’incontro e dal rapporto dialettico con la fotografa Carmen Cardillo: due linguaggi\, contesti culturali e generazioni in dialogo. \nLINK AL CATALOGO \n  \nLa mostra fotografica di Carmen Cardillo a Catania\, conclude il progetto Secret de famille\, residenza d’artista a Casa Toesca di Clémentine Carsberg. L’artista marsigliese ha meditato sulle tematiche del trascorrere del tempo e della memoria\, alla ricerca delle tracce di coloro che hanno abitato l’antica dimo- ra\, e che attualmente la abitano\, sfruttando lo spazio della limonaia. A novembre 2014\, nel periodo in cui Torino\, annualmente dedi- ca massima visibilità all’arte contemporanea con Artissima\, Areacreativa42 aveva aperto le sale di Casa Toesca per un doppio appun- tamento tutto al femminile. Clémentine aveva inaugurato l’installazione nello spazio della limonaia\, mentre Carmen al primo piano una sua mostra personale di fotografia\, in attesa di mettere a fuoco nei mesi successivi il lavoro Secret de famille esposto a maggio 2015 nella mostra al Centro Culturale Polivalente del Palazzo della Cultura di Catania. Acuta osservatrice e amante di quelle che lei stessa definisce le «tracce archeologiche»\, Clémentine ha tratto ispirazione da una stan- za del secondo piano di Casa Toesca\, la “soffitta”\, per la realizzazione di un’installazione in papier peint. La carta da parati\, tratto distintivo della sua produzione\, è il materiale che meglio si sposa con la meditazione condotta sui segni del tempo che ripercorrono la casa\, operazione che si riassume nel titolo della residenza. Tracce discrete\, appena suggerite che si caricano di significati universa- li\, senza raccontare una storia troppo precisa. Clémentine ci propone una nuova lettura dello spazio: il papier peint\, materiale umile e quotidiano ha la potenzialità di nascondere il visibile e di confondere chi osserva. La presenza discreta e silenziosa di Carmen\, le sue osservazioni e la sua sensibilità sono state di fondamentale importanza e di con- tributo allo sviluppo del progetto. Le sue fotografie hanno lo scopo di restituire quel senso di scoperta iniziale\, di rivelazione nato nel- l’incontro con la soffitta. Con emozione penso a questo progetto\, al processo artistico che ci ha coinvolte\, coordinato da Martina Furno giovane storica dell’ar- te. La Residenza d’artista in questo caso è stata una completa immersione nel lavoro\, senza distrazioni e\, quando è arrivata Carmen\, anche per lei una condivisione totale del tempo del progetto. La mostra fotografica e il catalogo raccontano il clima sospeso\, la sco- perta affascinante di un luogo antico\, la tensione del momento creativo e lo stupore della decontestualizzazione; il progetto non ha confine ed è questo il vero significato di questa profonda e affascinante esperienza. \nKarin Reisovà \n  \nStavo leggendo un giallo\, come durante il mio primo soggiorno a Casa Toesca\, quando ho fatto un parallelo e\nho sorriso: cercare una “buona” idea d’opera d’arte\, pensata per un luogo specifico\, si avvicina alla risoluzione di un enigma.\nL’enigma dell’opera adatta a questo posto – come se dovessi scoprire qualcosa di esistente per questo posto in particolare. Una\ncaccia al tesoro nel raccogliere fotografie\, racconti e aneddoti del luogo\, preferenze\, ostacoli\, divertimenti…\nLa Limonaia non è uno spazio facile: esposta direttamente sul giardino\, dalle piastrelle cupe che rivestono anche le panchine \nin muratura e dall’illuminazione calda proveniente dalle luci sul soffitto. Ma ogni luogo è un luogo a suo modo e mi piace accet-\ntare la sfida di realizzare qualcosa di pensato precisamente per uno spazio e per le sue peculiarità. Quello che mi sorprende ogni \nvolta è una sensazione contraddittoria. Quando mi sono offerti\, come in questa occasione\, uno spazio\, un tempo e la fiducia –\nuna grande libertà d’azione per realizzare ciò che desidero – da una parte un vento rassicurante di motivazione mi trasporta e\nmi sospinge; dall’altra una paralisi si presenta di fronte a queste infinite possibilità di opere realizzabili\, che dovrei incanalare\nnella mia incubatrice per svelare ciò che mi sembra appropriato all’evento\, al momento\, allo spazio. Appropriato in sé e per sé.\nTrovare una posizione confortevole\, in equilibrio tra questo vuoto e questo pieno… \nClementine Carsberg
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